As a Tucson, Arizona, based artist, I first want to recognize Peggy Turk Boyer & the Intercultural Center for the Study of Deserts and Oceans (CEDO) – the person and nonprofit organization that brought me here in 2017. I also want to thank the Tohono O’odham, Ndée, Comcaac, Sobaipuri, and other Indigenous people who have stewarded these landscapes, on which I am residing and making art, since time immemorial, and who are always generous with their spirit, knowledge, and goodwill. I am truly grateful to be able to live here, and to be part of Southern Arizona’s art, science, and cultural appreciation community.

Dear Friend,

My name is Alan Ruiz Berman, and I am a Mexican and American Artist who is deeply inspired by our planet’s oceans, deserts, and the resilient denizens of these extreme habitats. I am especially moved by art that integrates science and the humanities – including visual art, photography, performance, creative writing, and new approaches to digital technology. I believe that a wholistic and experiential approach to art and education can help initiate more people into the wonders of the natural world, which we take for granted at our peril.

I have been particularly inspired by the Mexican Muralists and American Museum Dioramas – traditions that captivated my young imagination. Both art forms thrived in an era (1920’s – 1960’s) when it was difficult for urban dwellers to travel, let alone access remote areas of the natural world, and when high-quality, large-scale photography was yet unavailable. It was bringing Mexico’s Indigenous history to the public that inspired Diego Rivera to paint my city of birth, Tenochtitlan. Significantly, he painted the legendary capital of the Aztec Empire on the courtyard walls of Mexico’s National Palace, a colonial building built literally on top of the conquered Aztec Capital’s main temple.

Meanwhile, near my second home in New York City, Fred F. Scherer was giving the layperson access to our planet’s most spectacular landscapes by painting epic dioramas at the American Museum of Natural History. Though I had long appreciated these murals as a youth, it was in an impactful after-hours art class that I learned the amazing story about how they were created. In the words of Stephen C. Quinn, this artform was “based on ecological and mathematical data, but crucially, it also touched the heart of the viewer.” What I most admire about Rivera, Scherer, and their contemporaries is that, in addition to being world-class artists, they were also proficient naturalists, biologists, curators, historians, and mathematicians – renaissance men and women of their time and age.

I also take inspiration from artists like Tony Foster, a British painter and environmentalist who spends weeks at a time in the field, connecting-to, exploring, and documenting the geology and biology of sacred wilderness landscapes in-situ. Like Foster, I am currently working on a series of large-scale landscapes at sites of special significance with the intention of capturing the landscape, flora, and fauna exactly as I see, hear, and feel it. I am even using some pigments sourced from the dirt at my feet.

I call my art practice the “Ecological Renaissance,” and I focus on telling the story of the natural world and our relationship to it. I believe this story is best told by carefully observing the forms, patterns, colors, and cycles that are ever present around us, and my work is inseparable from my appreciation of the places where I live, study, and work. Indeed, I view my landscape painting as “big-picture” nature-journaling and a means for catalyzing civic participation in nature stewardship – which I believe begins with establishing one’s own robust connection to place.

In addition, I believe that making art can and should be a civic responsibility, and that art, when created through a collaborative process with one’s community, can help us answer important questions and achieve common goals, namely tackling urgent humanitarian challenges such as climate change, biodiversity loss, the privatization of public resources, and the injustices that result from our failing economic model of infinite growth on a finite planet.

When authoritarians take over a nation-state, or corporations a territory they plan to exploit, one of the first acts is to suppress and silence artists and intellects by any means possible, including by taking lives and limiting funding and resources for education. This is because the arts are the furnace in which stagnation, fear, militarism, and the status quo are melted down into the raw material from which positive change can be fashioned. As we stand on the brink of ecological collapse and nuclear war, only creative solutions can advance collaboration between social, economic, and environmental sectors and institutions, and re-center humanity’s united path towards a more hopeful future.

Having lived in many culturally rich places, like New Zealand and the Desert Southwest, and as my art practice will reveal, I have also been deeply inspired by Indigenous culture and ‘Art’ – which is more often a visual language deeply embedded in ancient tradition than a form of individual expression. Indigenous Art and values speak to me because they are so deeply rooted in our common humanity and familiar connection to the natural world, including through spiritual mediums – a tradition that is as ancient as is our human lineage and that I do not find to be incompatible with skepticism and science. Like Ethiopian hero and humanitarian, Emperor Tafari Makonnen, I believe that spirituality, far from requiring us to believe dogmas in the absence of evidence, is “a way of being in the world,” in which humility and respect, for nature and for one another, fosters individual and collective wellbeing.

As both an artist and scholar, a critical part of my taking inspiration from Indigenous and traditional cultures is to practice respect and reciprocity by sharing my art and seeking honest responses and conversations around it, especially with the cultural authorities from where I have drawn inspiration. It is precisely this respectful sharing of unique values, cultures, and human ecologies that I find most significant about making and appreciating art.

In summary, through creative experimentation, I believe that we can bridge existing gaps in our individual and collective consciousness, tear down the walls that separate us, figuratively and literally, and build lasting bridges into a more hopeful and just tomorrow for our children and all living things.

Thank you for reading, stay curious, and stay posted!

Alan Ruiz Berman

…En Español…

Como artista residente en Tucson, Arizona, primero quiero agradecer a Peggy Turk Boyer y al Centro Intercultural para el Estudio de los Desiertos y los Océanos (CEDO), la persona y organización sin fines de lucro que me trajo aquí en 2017. También Quiero agradecer a los Tohono O’odham, Ndée, Comcaac, Sobaipuri y otros pueblos indígenas que han custodiado estos paisajes, en los que resido, desde tiempos inmemoriales, y que siempre son generosos con su espíritu, conocimiento y buena voluntad. Estoy verdaderamente agradecida de poder vivir aquí y ser parte de la comunidad de arte, ciencia y apreciación cultural del sur de Arizona.

Estimado(a) amigo(a),

Mi nombre es Alan Ruiz Berman, y soy un artista mexicano y estadounidense profundamente inspirado por los océanos y desiertos de nuestro planeta, y los habitantes resistentes de estos hábitats extremos. Me conmueve especialmente el arte que integra la ciencia y las humanidades, incluidas las artes visuales, la fotografía, el teatro, la escritura creativa, y los nuevos enfoques de la tecnología digital. Creo que un enfoque holístico y experiencial dado al arte y la educación puede ayudar a iniciar a más personas en las maravillas del mundo natural, que damos por sentado a nuestro propio riesgo.

Me he sentido particularmente inspirado por los muralistas mexicanos y los dioramas del Museo Americano, tradiciones que cautivaron mi joven imaginación. Ambas formas de arte prosperaron en una era (de 1920 a 1960) en la que era difícil para los habitantes de las ciudades viajar, y mucho menos acceder a áreas remotas del mundo natural, y cuando la fotografía a gran escala y de alta calidad aún no estaba disponible. Fue traer la historia indígena de México al público lo que inspiró a Diego Rivera a pintar mi ciudad natal, Tenochtitlan. Significativamente, pintó la legendaria capital del Imperio Azteca en las paredes del patio del Palacio Nacional de México, un edificio colonial construido literalmente sobre el templo principal de la capital azteca conquistada.

Mientras tanto, cerca de mi segunda casa en la ciudad de Nueva York, Fred F. Scherer estaba dando acceso a los paisajes más espectaculares de nuestro planeta, pintando dioramas épicos en el Museo Americano de Historia Natural. Aunque durante mucho tiempo había apreciado estos murales cuando era joven, fue en una impactante clase de arte fuera del horario laboral que aprendí la increíble historia de cómo se crearon. En palabras de Stephen C. Quinn, esta forma de arte “se basó en datos ecológicos y matemáticos, pero, de manera crucial, también tocó el corazón del espectador.” Lo que más admiro de Rivera, Scherer, y sus contemporáneos es que, además de ser artistas de clase mundial, también eran naturalistas, biólogos, curadores, historiadores y matemáticos competentes: hombres y mujeres del renacimiento de su tiempo y época.

También me inspiran artistas como Tony Foster, un pintor y ecologista británico que pasa semanas en el campo, conectándose, explorando y documentando la geología y la biología de paisajes sagrados. Al igual que Foster, actualmente estoy trabajando en una serie de paisajes a gran escala en sitios de especial importancia con la intención de capturar el paisaje, la flora y la fauna tal como los veo, escucho y siento. Incluso estoy usando algunos pigmentos que provienen de la suciedad de mis pies.

Llamo a mi práctica artística “El Renacimiento Ecológico,” y me doy por contar la historia del mundo natural y nuestra relación con él. Creo que esta historia se cuenta mejor observando cuidadosamente las formas, los patrones, los colores y los ciclos que siempre están presentes a nuestro alrededor, y mi trabajo es inseparable de mi apreciación de los lugares donde vivo, estudio y trabajo. De hecho, veo mi pintura de paisajes como un diario de la naturaleza de “panorama general” y un medio para catalizar la participación cívica en cuidar la naturaleza, algo que seguramente comienza con uno mismo y como entendemos y nos sentimos conectados a los lugares adonde vivimos.

Además, creo que hacer arte puede y debe ser una responsabilidad cívica, y que el arte, cuando se crea a través de un proceso de colaboración con su comunidad, puede ayudarnos a responder preguntas importantes y lograr abordar desafíos humanitarios urgentes como el cambio climático, la pérdida de biodiversidad, la privatización de los recursos públicos, y las injusticias que resultan de nuestro fallido modelo económico de crecimiento infinito en un planeta con recursos finitos.

Cuando los autoritarios se apoderan de un estado-nación, o las corporaciones de un territorio que planean explotar, uno de los primeros actos es suprimir y silenciar a los artistas e intelectuales por todos los medios posibles, incluso quitando vidas y limitando la financiación y los recursos para la educación. Esto se debe a que las artes son el horno en el que el estancamiento, el miedo, el militarismo y el statu quo se funden en la materia prima a partir de la cual se puede crear un cambio positivo. Mientras nos encontramos al borde del colapso ecológico y la guerra nuclear, solo las soluciones creativas pueden promover la colaboración entre los sectores e instituciones sociales, económicos y ambientales, y volver a centrar el camino unido de la humanidad hacia un futuro más esperanzador.

Habiendo vivido en lugares con ricas culturas, como Nueva Zelanda y el desierto del suroeste de EEUU y norte de México, y como lo revelará mi práctica artística, también me inspiro profundamente en la cultura y Arte Indígena, que es más un lenguaje visual incrustado en la tradición antigua que una forma de expresión individual. El arte y los valores indígenas me hablan porque están tan profundamente arraigados en nuestra humanidad común y nuestra conexión familiar con el mundo natural, incluso a través de medios espirituales, una tradición que es tan antigua como nuestro linaje humano y que no encuentro incompatible con escepticismo y ciencia. Al igual que el héroe y humanitario etíope, el emperador Tafari Makonnen, creo que la espiritualidad, lejos de exigirnos creer en dogmas en ausencia de evidencia, es “una forma de estar en el mundo,” en la que la humildad y el respeto, por la naturaleza y por otras vidas, fomenta el bienestar individual y colectivo.

Como artista y académico, una parte fundamental de inspirarme en las culturas indígenas y tradicionales es practicar el respeto y la reciprocidad al compartir mi arte, y buscar respuestas honestas y conversaciones al respecto, especialmente con las autoridades culturales de las que me inspiré. Es precisamente este intercambio respetuoso de valores, culturas y ecologías humanas únicos lo que encuentro más significativo acerca de hacer y apreciar el arte.

Al fin, a través de la experimentación creativa, creo que podemos cerrar las brechas existentes en nuestra conciencia individual y colectiva, derribar los muros que nos separan, en sentido figurado y literal, y construir puentes duraderos hacia un mañana más esperanzador y justo para nuestros hijos y todos. cosas vivas.

¡Gracias por leer y manténganse curiosos e informados!

Alan Ruiz Berman